As Origens da Música e do Estilo Barroco
Acredita-se que o estilo barroco tenha emanado de pintores italianos como Annibale Carracci e Caravaggio. Caravaggio experimentou contrastes dramáticos entre claro e escuro, além de retratar cenas religiosas em ambientes cotidianos, como tavernas e ruas. A pintora barroca Artemisia Gentileschi é hoje reconhecida como uma das mais talentosas pintoras do barroco italiano. Sua habilidade técnica excepcional é no estilo de Caravaggio. Ao mesmo tempo, na Holanda, Peter Paul Rubens e seus colegas estavam se afastando das pinturas puramente religiosas para uma tendência mais doméstica, usando as mesmas técnicas e fascinação pela luz que seus colegas italianos.
No mundo da escultura barroca, grupos de figuras mostravam energia ou movimento dinâmicos. A obra do grande artista italiano Giovanni Lorenzo Bernini dominou como uma contrapartida dramática ao estilo contemplativo renascentista, que reinou supremo alguns anos antes. Suas esculturas apresentam um maior grau de movimento e uma emoção violenta e desenfreada.
A arquitetura barroca valorizava o movimento e a fluidez entre o interior e o exterior, o aparecimento de cúpulas complexas e paredes curvas. Foi inicialmente introduzida pelos Jesuítas da Igreja Católica como um meio de combater a Reforma e a Igreja Protestante com um novo estilo arquitetônico que inspirou surpresa e admiração.
A literatura barroca produziu várias obras importantes durante esse período, com a obra-prima do espanhol Miguel de Cervantes “Dom Quixote de la Mancha” a vir como um exemplo perfeito dos opostos polares barrocos, um grande ideal estético em todas as artes. Isso é exemplificado no romance através das personalidades de seus personagens principais, o pé no chão e pragmático Sancho, contrastando com o espiritual e idealista Dom Quixote.
A Emergência do Gênero da Música Barroca
No domínio da música barroca, o período começou a ser gestado no final do século 16 em algumas cidades italianas. Graças à sua independência política e diversidade econômica, essas cidades desenvolveram vários estilos musicais únicos e individuais, que divergiam muito dos ideais clássicos do renascimento tardio, conforme cultivados nas obras de Palestrina e Di Lasso. Entre essas cidades, as duas que mais valem a pena mencionar são os centros culturais e políticos de Veneza e Florença.
Em Veneza, a igreja de São Marcos serviu de cenário geográfico para o desenvolvimento da música policoral de Giovanni Gabrielli. Esse estilo se baseava no princípio de ter vários coros espacialmente separados com vozes e instrumentos, que, ao se apresentarem ao mesmo tempo, exigiam texturas cordais homorrítmicas mais simples, divergindo muito em sua concepção do ideal da complexa polifonia imitativa do renascimento tardio.
Mais ou menos na mesma época, em Florença, um grupo de intelectuais, humanistas e artistas conhecido como a Camerata Florentina, procurou imitar os ideais do drama grego clássico, em que a palavra e a música eram casadas, mas de modo diferente dos madrigais renascentistas. O cenário musical não deve interferir nas inflexões faladas naturais do texto e as palavras devem ser expressas da forma mais clara possível. Para acompanhar essa nova concepção musical, a natureza contrapontística complexa do moteto renascentista e do madrigal não era adequada, sendo substituída por uma textura simples de acordes produzida por instrumentos que não interferiam no texto. Esses desenvolvimentos deram origem a um novo estilo de canto que foi chamado de monodia e se tornou talvez a inovação mais importante da era da música barroca.
O Nascimento da Música de Ópera Barroca
Por volta do início do século XVII, o gênero musical mais importante dessa época foi a ópera barroca. Em poucas palavras, esse gênero é essencialmente um drama musical barroco que é cantado em toda a sua extensão. Incorporando as inovações da Camerata Florentina na monodia, um estilo vocal adequado ao cenário de um drama musical completo foi desenvolvido pela primeira vez na história e, assim, as primeiras óperas entraram em produção. Durante esse período, a primeira figura monumental da era da música barroca atingiu a maturidade, o grande Claudio Monteverdi. Embora alguns esforços para produzir óperas de longa-metragem já tivessem sido empreendidos em Florença, Monteverdi é creditado por ter composto a primeira grande ópera da história, um cenário para um libreto (o texto) baseado no mito grego de Orfeu. “L'orfeo” cultivou dois estilos vocais distintos baseados na monodia, Recitativo e Ária com acompanhamento instrumental. O estilo recitativo tem uma grande semelhança com a declamação falada real e é mais útil para apresentar diálogos entre personagens e longas seções de texto para levar a história adiante. Em contraste, a ária se assemelha muito aos solilóquios dramáticos do teatro, nos quais o artista expressa emoção e reflexão sobre os acontecimentos do drama que afetaram sua alma.
Na França, na última década do século XVII, o compositor italiano de música barroca Jean-Baptiste Lully adaptou os estilos recitativo e ária às inflexões naturais e musicalidade única da língua francesa, criando assim um estilo nacional de obras operísticas. Entre outras escolas nacionais importantes, podemos citar os compositores ingleses de música barroca John Blow e Henry Purcell. Nos últimos anos do século XVII, eles já haviam desenvolvido um estilo distintamente inglês de ópera cantada em inglês, adaptado dos ideais da Camerata Florentina e seguindo alguns dos desenvolvimentos franceses da moda.
O Oratório na Música Barroca
Outro grande gênero vocal do período da música barroca é o Oratório, que, ao contrário da ópera, sempre apresenta um tema religioso. No entanto, os dois gêneros têm muitas coisas em comum, sendo o mais importante que ambos usam os estilos de canto Recitativo e Ária para declamação de texto. Durante esse período, muitos compositores escreveram centenas de oratórios, no entanto, talvez nenhum deles tenha alcançado alturas tão grandes quanto o compositor alemão Georg Friedrich Händel. Sua carreira musical de grande sucesso desenvolveu-se principalmente na Inglaterra, onde se adaptou aos tempos de mudança da economia e, portanto, ao gosto do público. Tendo iniciado sua carreira como compositor de ópera italiano, Händel mais tarde mudou para o gênero mais lucrativo, o Oratório. Seus esforços em ambos os gêneros o estabeleceram como uma figura-chave na história da música de palco e um lugar eterno no Olimpo dos compositores.
A Influência de Bach na Música e na Era Barroca
Talvez o mais influente compositor e músico da música barroca de todos os tempos, Johann Sebastian Bach, estava trabalhando sem parar na criação de seu enorme corpus de mais de duzentas cantatas luteranas. Esse foi outro gênero vocal importante do período da música barroca, que incorporou os elementos clássicos dos ritos luteranos, como o coral e a música solo, ao mesmo tempo que incluiu novos desenvolvimentos como o estilo recitativo e ária de origem italiana.
Bach nasceu na cidade alemã central de Eisenach em 1685, no coração de uma respeitada família musical. O trabalho de sua vida foi dedicado à música e à igreja luterana, da qual ele era um membro e servidor devoto. Quatro filhos músicos de grande sucesso o sucederam e se tornaram grandes compositores do período de transição para a era clássica. Bach desenvolveu relações amistosas com vários outros compositores dessa época, nomeadamente Georg Philipp Telemann, que se tornou padrinho de seu filho Carl Philipp Emanuel, e Dietrich Buxtehude. Buxtehude foi um famoso compositor e organista cuja virtuosidade e destreza compositiva motivaram Bach a viajar 320 quilômetros a pé para encontrá-lo, eventualmente até se apresentando com ele. A esfera de influência de Bach é tão ampla que os historiadores da arte geralmente reconhecem sua morte como um evento crucial, que em 1750 causou o fim do período barroco.
O Legado do Período Barroco
Uma das grandes conquistas do período barroco foi o estabelecimento da música instrumental como um meio sério, independente e importante de expressão musical. Muitos dos principais compositores da música barroca produziram obras que alcançaram alturas olímpicas e entraram no repertório padrão de vários instrumentos. Durante o período histórico anterior, alguns compositores já haviam começado a desenvolver a música instrumental, com instrumentos servindo principalmente como acompanhamento da voz humana, como nas canções de alaúde de John Dowland.
Durante o período da música barroca, os gêneros e estilos instrumentais sofreram várias modificações importantes. Isso se deveu tanto ao desenvolvimento técnico na construção dos instrumentos quanto ao surgimento de grandes virtuosos que competiam entre si, empurrando assim os limites do que os instrumentos eram capazes de fazer. Episódios famosos de tais competições foram os poucos encontros entre Domenico Scarlatti e Händel nos primeiros dias do século XVIII. Os dois compositores realizaram uma competição musical amigável, com Scarlatti emergindo vitorioso no cravo e Händel no órgão.
As mudanças sociais da época e o surgimento do concerto público levaram ao declínio da popularidade do alaúde, com o cravo e o órgão tomando seu lugar e mudando os interesses dos compositores para instrumentos de teclado. Esse período foi também uma época em que vários novos gêneros instrumentais foram inventados e amplamente desenvolvidos, entre os mais significativos estavam o prelúdio, o prelúdio de coral, a fuga, a tocata, a suíte, a sonata, o concerto e o concerto Grosso.
Três gêneros barrocos são de particular importância para o desenvolvimento de algumas características novas e únicas. O concerto solo barroco é uma obra para a orquestra e um instrumento solo. Ele forneceu um ótimo meio para explorar o efeito de sonoridades contrastantes, densidades sonoras diferentes e as passagens virtuosísticas dramáticas para o solista, que eram atraentes tanto para o público quanto para a estética barroca. Ao mesmo tempo, desenvolveu-se outra variante do concerto, o concerto Grosso barroco. Essa forma também apresentava uma orquestra, mas em vez de ter um solista individual, apresentava um pequeno grupo ou conjunto de instrumentos solo que funcionam como uma unidade.
Por último, mas não menos importante, o período barroco também viu uma profunda mudança no domínio da música de câmara para instrumentos. Isso inclui a invenção da sonata para instrumento solo e teclado, que acabaria se tornando um gênero importante no resto dos séculos XIX e XX. O trio sonata apresentava duas linhas melódicas e o acompanhamento do “baixo contínuo”, que na verdade consistia em um instrumento polifônico, como um cravo, além de um baixo melódico que fornecia a linha do baixo e o conteúdo harmônico.
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A era barroca durou um enorme período de tempo, com aproximadamente 150 anos e milhares de obras produzidas nos mais diversos estilos, países e gêneros. Isso levou muitos historiadores a questionar o nível de precisão do termo "Barroco" para englobar tendências divergentes como “L'orfeo”, de Monteverdi, e “Paixão de São Mateus”, de Bach.
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