Le origini e lo stile della musica barocca
Si pensa che lo stile barocco sia stato tramandato da pittori italiani come Annibale Carracci e Caravaggio. Caravaggio sperimentava drammatici contrasti di luce e buio, oltre a raffigurare scene religiose in ambienti quotidiani come le osterie e le strade. La pittrice barocca Artemisia Gentileschi è oggi riconosciuta come una delle più affermate pittrici barocche italiane. La sua eccezionale abilità tecnica è nello stile di Caravaggio. Nello stesso periodo in Olanda Peter Paul Rubens e i suoi colleghi si stavano allontanando dalla pittura puramente religiosa per passare ad una tendenza più domestica, utilizzando le stesse tecniche e il fascino della luce delle loro controparti italiane.
Nel mondo della scultura barocca, i gruppi di figure mostrano un'energia o un movimento dinamico. L'opera del grande artista italiano Giovanni Lorenzo Bernini dominava come controparte drammatica dello stile rinascimentale contemplativo, che qualche anno prima regnava sovrano. Le sue sculture sono caratterizzate da un maggiore grado di movimento e da un'emozione violenta e sfrenata.
L'architettura barocca apprezzava il movimento e la fluidità tra interno ed esterno, l'aspetto di cupole complesse e pareti curve. Inizialmente fu introdotto dai Gesuiti della Chiesa Cattolica come mezzo per combattere la Riforma e la Chiesa Protestante con un nuovo stile architettonico che provocava sorpresa e stupore.
La letteratura barocca ha prodotto diverse opere importanti durante questo periodo, con il capolavoro spagnolo di Miguel de Cervantes "Don Chisciotte della Mancia", un perfetto esempio di opposti polari barocchi, un ideale estetico importante in ogni arte. Questo è esemplificato nel romanzo attraverso le personalità dei suoi personaggi principali, il pragmatico Sancho con i piedi per terra in netto contrasto con Don Chisciotte, spirituale e idealista.
La comparsa del genere musicale barocco
Nel regno della musica barocca, il periodo iniziò a fiorire alla fine del XVI secolo in alcune città italiane. Grazie alla loro indipendenza politica e alla diversità economica, queste città svilupparono diversi stili musicali unici e individuali, che si discostavano molto dagli ideali classici del tardo rinascimento, come esemplificato nelle opere di Palestrina e Di Lasso. Tra queste città, le due che meritano di essere citate maggiormente sono i centri culturali e politici di Venezia e Firenze.
A Venezia, la chiesa di San Marco è stata lo scenario geografico per lo sviluppo della musica policroma di Giovanni Gabrielli. Questo stile si basava sul principio di avere più cori con voci e strumenti spazialmente separati, che, se eseguiti contemporaneamente, richiedevano una più semplice tessitura corale omoritmica, molto divergente nella concezione dall'ideale della complessa polifonia imitativa del tardo rinascimento.
Più o meno nello stesso periodo, a Firenze, un gruppo di intellettuali, umanisti e artisti noti come la Camerata fiorentina, cercava di emulare gli ideali del dramma greco classico, in cui parole e musica si sposavano, ma in modo diverso dai madrigali rinascimentali. L'ambientazione musicale non doveva interferire con le naturali inflessioni parlate del testo e le parole dovevano essere espresse nel modo più chiaro possibile. Per accompagnare questa nuova concezione musicale, la complessa natura contrappuntistica del mottetto e del madrigale rinascimentale non era adatta, e fu sostituita da una semplice tessitura corale prodotta da strumenti che non interferivano con il testo. Questi sviluppi diedero vita ad un nuovo stile di canto che fu chiamato monodia, e divenne forse l'innovazione più importante dell'era barocca.
La nascita della musica lirica barocca
Intorno all'inizio del XVII secolo, il genere musicale più importante che emerse dall'epoca fu la lirica barocca. In poche parole, questo genere è essenzialmente un dramma musicale barocco che viene cantato per tutta la sua durata. Incorporando le innovazioni della Camerata fiorentina sulla monodia, si sviluppò per la prima volta nella storia uno stile vocale adatto all'ambientazione di un lungometraggio drammatico, e così entrarono in produzione le prime opere liriche. In questo periodo raggiunge la maturità la prima figura monumentale dell'era barocca, il grande Claudio Monteverdi. Anche se alcuni sforzi per produrre opere a tutto tondo erano già stati fatti a Firenze, a Monteverdi si deve il merito di aver composto la prima grande opera lirica della storia, ambientata su un libretto (il testo) basato sul mito greco di Orfeo. "L'orfeo" coltivava due distinti stili vocali basati sulla monodia, il recitativo e l'aria con accompagnamento strumentale. Lo stile recitativo ha una stretta somiglianza con la vera e propria declamazione parlata ed è molto utile per presentare il dialogo tra i personaggi e lunghe sezioni di testo per far avanzare la storia. Al contrario, l'Aria assomiglia molto ai soliloqui drammatici del teatro, in cui l'interprete esprime emozione e riflessione sulle vicende del dramma che ne hanno condizionato l'anima.
In Francia, verso l'ultimo decennio del XVII secolo, il compositore barocco di origine italiana Jean-Baptiste Lully adattò gli stili del Recitativo e dell'Aria alle naturali inflessioni e alla musicalità unica della lingua francese, creando così uno stile nazionale di opere liriche. Tra le altre importanti scuole nazionali, possiamo citare i compositori di musica barocca inglese John Blow e Henry Purcell. Negli ultimi anni del XVII secolo, essi avevano già sviluppato uno stile di opera lirica in lingua inglese distintamente inglese, adattato agli ideali della Camerata fiorentina e seguendo alcuni degli sviluppi della moda francese.
L’Oratorio nella musica barocca
Un altro grande genere vocale del periodo barocco è l'Oratorio che, contrariamente all'opera, ha sempre un soggetto religioso. Tuttavia, i due generi hanno molte cose in comune, la più importante è che entrambi utilizzano lo stile del canto recitativo e dell'aria per declamare il testo. Durante questo periodo, molti compositori hanno scritto centinaia di oratori, eppure è probabile che nessuno di loro abbia raggiunto altezze così grandi come il compositore di origine tedesca Georg Friedrich Händel. La sua carriera musicale di grande successo si sviluppò soprattutto in Inghilterra, dove si adattò al cambiamento dei tempi economici e quindi dei gusti del pubblico. Avendo iniziato la sua carriera come compositore d'opera italiano, Händel in seguito passò al genere più redditizio dell'Oratorio. I suoi sforzi in entrambi i generi lo affermarono come una figura chiave nella storia della musica da palcoscenico, e gli regalarono un posto eterno nell'Olimpo dei compositori.
L’influenza di Bach sull’era della musica barocca
Forse il più influente compositore e musicista barocco di tutti i tempi, Johann Sebastian Bach lavorava senza sosta alla creazione del suo enorme corpus di oltre duecento cantate luterane. Si trattava di un altro importante genere vocale del periodo barocco, che incorporava gli elementi classici dei riti luterani come il corale e il canto solista, includendo anche sviluppi nuovi come il recitativo e lo stile Aria di origine italiana.
Bach nacque nella città tedesca centrale di Eisenach nel 1685, in una rispettabile famiglia di musicisti. Il lavoro della sua vita è stato dedicato alla musica e alla chiesa luterana, di cui era un membro devoto e un servitore. Quattro figli musicisti di grande successo gli succedettero e divennero grandi compositori del periodo di transizione verso l'era classica. Bach sviluppò rapporti amichevoli con diversi altri compositori di quest'epoca, in particolare con Georg Philipp Telemann, che divenne padrino di suo figlio Carl Philipp Emanuel, e Dietrich Buxtehude. Buxtehude era un famoso compositore e organista, il cui virtuosismo e la cui abilità compositiva motivarono Bach a percorrere 200 miglia a piedi per incontrarlo, fino ad esibirsi con lui. La sfera d'influenza di Bach è così ampia che gli storici dell'arte riconoscono generalmente la sua morte come un evento cruciale, che nel 1750 causò la fine del periodo barocco.
L’eredità del periodo barocco
Una delle maggiori conquiste del periodo barocco fu l'affermazione della musica strumentale come mezzo di espressione musicale serio, indipendente e importante. Molti grandi compositori di musica barocca hanno prodotto opere che hanno raggiunto le vette olimpiche e sono entrate nel repertorio standard di diversi strumenti. Durante il periodo storico precedente, alcuni compositori avevano già iniziato a sviluppare la musica strumentale, con strumenti che servivano per lo più come accompagnamento alla voce umana, come nei canti per liuto di John Dowland.
Durante il periodo della musica barocca, i generi e gli stili strumentali hanno subito diverse importanti modifiche. Questo fu dovuto sia agli sviluppi tecnici nella costruzione degli strumenti che all'apparizione di grandi virtuosi che gareggiavano tra loro, spingendo così i limiti di ciò che gli strumenti erano capaci di fare. Episodi famosi di tali competizioni furono i pochi incontri tra Domenico Scarlatti e Händel nei primi anni del XVIII secolo. I due compositori si impegnarono in un'amichevole competizione musicale, con Scarlatti che uscì vittorioso al cembalo e Händel all'organo.
I cambiamenti sociali del tempo e l'emergere del concerto pubblico portarono al declino della popolarità del liuto, con il clavicembalo e l'organo al suo posto e lo spostamento degli interessi dei compositori verso gli strumenti a tastiera. In questo periodo inoltre sono stati inventati e sviluppati diversi nuovi generi strumentali, tra i più significativi il preludio, il preludio corale, la fuga, la toccata, la suite, la sonata, il concerto e il concerto Grosso.
Tre generi barocchi sono di particolare importanza per lo sviluppo di alcune caratteristiche nuove e uniche. Il Concerto solista barocco è un lavoro per l'orchestra e uno strumento solista. E' stato un grande mezzo per esplorare l'effetto di sonorità contrastanti, le diverse densità sonore e i passaggi virtuosistici drammatici per il solista, che hanno attratto sia il pubblico che l'estetica barocca. Contemporaneamente si sviluppò un'altra variante del concerto, il concerto barocco-Grosso. In questa forma c'era anche un'orchestra, ma invece di avere un solista individuale, c'era un piccolo gruppo o un insieme di strumenti solisti che funzionava come un'unità.
Come ultima cosa, ma non per importanza, il periodo barocco ha visto anche un profondo cambiamento nel campo della musica da camera per strumenti. Questo include l'invenzione della sonata per strumento solista e tastiera, che avrebbe finito per diventare un genere importante per tutto il resto del XIX e XX secolo. La sonata del trio era caratterizzata da due linee melodiche e dall'accompagnamento del "basso continuo", che in realtà consisteva di uno strumento polifonico, come un clavicembalo, e di un basso melodico che forniva la linea di basso e il contenuto armonico.
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L'epoca barocca ha attraversato un periodo di tempo enorme, circa 150 anni, con migliaia di opere prodotte in molti stili, paesi e generi diversi. Questo ha portato molti storici a mettere in discussione il livello di accuratezza del termine "barocco" per inglobare tendenze così divergenti come "L'orfeo" di Monteverdi e "La passione di San Matteo" di Bach.
Su Calm Radio, i nostri ascoltatori amano i canali musicali barocchi e l'infinita lista di compositori barocchi. Dai canali come Clavicembalo barocco, Organo, Liuto, Violino e Violoncello, ai compositori come JS Bach, Händel, Buxtehude, Couperin, Scalatti e Vivaldi, tutta la musica barocca possibile è qui.
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