Les origines de la musique et du style baroque
On pense que le style baroque a été créé par des peintres italiens comme Annibale Carracci et le Caravage. Le Caravage a fait des expériences avec des contrastes spectaculaires entre la lumière et l'obscurité, en plus de représenter des scènes religieuses dans des lieux de la vie quotidienne comme les tavernes et les rues. Le peintre baroque Artemisia Gentileschi est aujourd'hui reconnu comme l'un des peintres baroques italiens les plus talentueux. Son exceptionnelle habileté technique est dans le style du Caravage. À la même époque, aux Pays-Bas, Peter Paul Rubens et ses collègues s'éloignaient de la peinture purement religieuse pour se tourner vers une tendance plus domestique, tout en utilisant les mêmes techniques et la même fascination pour la lumière que leurs confrères italiens.
Dans le monde de la sculpture baroque, les groupes de personnages montrent une énergie ou un mouvement dynamique. L'œuvre du grand artiste italien Giovanni Lorenzo Bernini a dominé en tant que contrepartie dramatique du style contemplatif de la Renaissance, qui régnait en force quelques années auparavant. Ses sculptures sont caractérisées par un niveau de mouvement plus élevé et une émotion intense et sans retenue.
L'architecture baroque valorise le mouvement et la fluidité entre l'intérieur et l'extérieur, l'apparition de dômes complexes et de murs recourbés. Elle a d'abord été introduite par les jésuites de l'Église catholique comme moyen de combattre la Réforme et l'Église protestante avec un nouveau style architectural qui suscitait la surprise et la crainte.
La littérature baroque a créé plusieurs œuvres majeures au cours de cette période, le chef-d'œuvre espagnol de Miguel de Cervantes "Don Quichotte de la Manche" venant à l'esprit comme un exemple parfait des contrastes polaires du baroque, un idéal esthétique majeur dans tout art. Le roman en est l'illustration à travers la personnalité de ses principaux personnages, le pragmatique et terre-à-terre Sancho, qui contraste fortement avec le Don Quichotte spirituel et idéaliste.
L'émergence du genre musical baroque
En ce qui concerne la musique baroque, la période a commencé à naître à la fin du XVIe siècle dans quelques villes italiennes. Grâce à leur indépendance politique et à leur diversité économique, ces villes ont développé plusieurs styles musicaux uniques et individuels qui divergeaient considérablement des idéaux classiques de la renaissance tardive, tels que développés dans les œuvres de Palestrina et Di Lasso. Parmi ces villes, les deux qui méritent le plus d'être mentionnées sont les centres culturels et politiques que sont Venise et Florence.
À Venise, l'église Saint-Marc a servi de base territoriale pour le développement de la musique polychorale de Giovanni Gabrielli. Ce style était basé sur le principe de plusieurs chœurs séparés dans l'espace, avec des voix et des instruments, qui, lorsqu'ils se produisaient en même temps, exigeaient des structures d'accords homorythmiques plus simples, dont la conception différait beaucoup de l'idéal de la polyphonie imitative complexe de la Renaissance tardive.
À peu près à la même époque, à Florence, un groupe d'intellectuels, d'humanistes et d'artistes, connu sous le nom de Camerata fiorentina, a cherché à imiter les idéaux du théâtre grec classique, dans lequel les mots et la musique étaient mariés, mais différemment des madrigaux de la Renaissance. Le cadre musical ne doit pas interférer avec les inflexions naturelles du texte et les mots doivent être exprimés aussi clairement que possible. Pour accompagner cette nouvelle conception musicale, la nature contrapuntique complexe du motet et du madrigal de la Renaissance n'était pas adaptée et a été remplacée par un simple jeu d'accords produit par des instruments qui n'interfèrent pas avec le texte. Ces développements ont donné naissance à un nouveau style de chant appelé monodie, qui est peut-être l'innovation la plus significative de l'ère de la musique baroque.
La naissance de la musique d'opéra baroque
Au début du XVIIe siècle, le genre musical le plus important de l'époque était l'opéra baroque. En quelques mots, ce genre est essentiellement un récit dramatique de musique baroque qui est chanté sur toute sa longueur. En incorporant les innovations de la Camerata fiorentina sur la monodie, un style vocal adapté à la mise en scène d'un drame musical complet a été développé pour la première fois dans l'histoire, permettant ainsi la production des tout premiers opéras. C'est à cette époque que la première figure monumentale de l'ère musicale baroque atteint sa consécration, le grand Claudio Monteverdi. Même si des efforts pour produire des opéras complets avaient déjà été entrepris à Florence, on attribue à Monteverdi la composition du premier grand opéra de l'histoire, un libretto (texte) basé sur le mythe grec d'Orphée. "L'orfeo" cultivait deux styles de voix distincts basés sur la monodie, le Récitatif et l'Aria avec accompagnement instrumental. Le style récitatif ressemble beaucoup à la déclamation parlée et est très utile pour présenter un dialogue entre les personnages et de longues sections de texte afin de faire avancer l'histoire. En revanche, l'Aria ressemble beaucoup aux soliloques dramatiques du théâtre, dans lesquels l'interprète exprime son émotion et sa réflexion sur les événements du drame qui ont touché son âme.
En France, vers la dernière décennie du XVIIe siècle, le compositeur de musique baroque d'origine italienne Jean-Baptiste Lully a adapté les styles du Récitatif et de l'Aria aux accents naturels et à la musicalité unique de la langue française, créant ainsi un style national d'œuvres lyriques. Parmi les autres écoles nationales importantes, on peut citer les compositeurs anglais de musique baroque John Blow et Henry Purcell. À la fin du XVIIe siècle, ils avaient déjà développé un style d'opéra distinctement anglais et chanté en anglais, adapté à partir des idéaux de la Camerata fiorentina et reprenant certains des courants à la mode en France.
L'Oratorio en musique baroque
Un autre grand genre musical de la période baroque est l'Oratorio, qui, contrairement à l'opéra, a toujours un thème religieux. Néanmoins, les deux genres ont beaucoup de choses en commun, notamment le fait qu'ils utilisent tous deux le Récitatif et l'Aria pour la déclamation des textes. Au cours de cette période, de nombreux compositeurs ont écrit des centaines d'oratorios, et pourtant, aucun d'entre eux n'a jamais atteint un niveau aussi élevé que celui du compositeur d'origine allemande Georg Friedrich Händel. Sa carrière musicale très réussie s'est développée principalement en Angleterre, où il s'est adapté à l'évolution de l'économie et donc aux goûts du public. Ayant commencé sa carrière en tant que compositeur d'opéra italien, Händel s'est ensuite tourné vers le genre plus lucratif de l'Oratorio. Ses efforts dans les deux genres l'ont établi comme une personnalité clé dans l'histoire de la musique scénique et lui ont valu une place éternelle dans l'Olympe des compositeurs.
L'influence de Bach sur la musique et l'époque baroque
Peut-être considéré comme le compositeur et le musicien de musique baroque le plus influent de tous les temps, Jean-Sébastien Bach a travaillé sans relâche à la création de son énorme corpus de plus de deux cents cantates de Luther. C'était un autre genre vocal important de la période baroque, qui incorporait les éléments classiques des rites luthériens comme le choral et le chant solo, tout en introduisant des nouveautés comme le Récitatif et le style Aria d'origine italienne.
Bach est né à Eisenach, ville d'Allemagne centrale, en 1685, au cœur d'une famille de musiciens respectée. L'œuvre de sa vie a été consacrée à la musique et à l'église luthérienne, dont il était un membre et un serviteur dévoué. Ses quatre fils musiciens à succès lui ont succédé et sont devenus des compositeurs majeurs de la période de transition vers l'ère classique. Bach a développé des relations amicales avec plusieurs autres compositeurs de cette époque, notamment Georg Philipp Telemann, qui est devenu le parrain de son fils Carl Philipp Emanuel, et Dietrich Buxtehude. Buxtehude était un compositeur et organiste célèbre dont la virtuosité et les prouesses de composition ont poussé Bach à parcourir près de 320 kilomètres à pied pour le rencontrer et même à se produire avec lui. La sphère d'influence de Bach est si vaste que les historiens de l'art reconnaissent généralement sa mort comme un événement crucial, qui en 1750 a provoqué la fin de la période baroque.
L'héritage du baroque
L'une des grandes réussites de la période baroque a été la consécration de la musique instrumentale en tant que moyen d'expression musicale majeur, sérieux et indépendant. De nombreux grands compositeurs de musique baroque ont produit des œuvres qui ont atteint des records olympiques et sont entrées dans le registre standard de plusieurs instruments. Au cours de la période historique précédente, certains compositeurs avaient déjà commencé à développer la musique instrumentale, les instruments servant principalement d'accompagnement à la voix humaine, comme dans les chansons pour luth de John Dowland.
Au cours de la période baroque, les genres et styles instrumentaux ont connu plusieurs évolutions majeures. Cela était dû à la fois aux progrès techniques dans la construction des instruments et à l'apparition de grands virtuoses qui rivalisaient entre eux, repoussant ainsi les limites de ce que les instruments étaient capables de faire. Les rares rencontres entre Domenico Scarlatti et Händel au début du XVIIIe siècle illustrent parfaitement ce phénomène. Les deux compositeurs se sont livrés à une compétition musicale amicale, Scarlatti s'imposant au clavecin et Händel à l'orgue.
Les changements sociaux de l'époque et l'émergence des concerts publics ont entraîné un déclin de la popularité du luth, remplacé par le clavecin et l'orgue, ce qui a poussé les compositeurs à s'intéresser aux instruments à clavier. Cette période est également celle de l'invention et du développement de plusieurs nouveaux genres instrumentaux, dont les plus importants sont le prélude, le prélude de choral, la fugue, la toccata, la suite, la sonate, le concerto et le concerto Grosso.
Trois genres baroques sont particulièrement intéressants quant au développement de certaines caractéristiques nouvelles et uniques. Le concerto solo baroque est une œuvre pour l'orchestre et un instrument soliste. Il permet d'explorer l'effet des sonorités contrastées, des différentes densités sonores et des passages dramatiques virtuoses pour le soliste, qui sont attrayants à la fois pour le public et pour l'esthétique baroque. En même temps, une autre variante du concerto s'est développée, le concerto baroque grosso. Ce genre comporte également un orchestre, mais au lieu de faire appel à un soliste individuel, il comporte un petit groupe ou un ensemble d'instruments solistes qui fonctionnent comme une seule et même entité.
Enfin, la période Baroque a également été marquée par un profond changement dans le domaine de la musique de chambre pour instruments. Cela inclut l'invention de la sonate en solo et pour clavier, qui finira par devenir un genre majeur pendant le reste des XIXe et XXe siècles. La sonate en trio comportait deux lignes mélodiques et l'accompagnement de la "basse chiffrée", qui était en fait un instrument polyphonique, comme un clavecin, ainsi qu'une basse mélodique qui servait de ligne de basse et de contenu harmonique.
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L'ère baroque s'est étendue sur une période énorme d'environ 150 ans avec des milliers d'œuvres produites dans de nombreux styles, pays et genres différents. Cette situation a conduit de nombreux historiens à remettre en question le caractère exact du terme "baroque" pour englober des tendances aussi divergentes que "L'orfeo" de Monteverdi et la "Passion selon Saint Matthieu" de Bach.
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