Los Orígenes de la Música y Estilo Barrocos
Se piensa que el Estilo Barroco emanó de pintores italianos como Annibale Carracci y Caravaggio. Caravaggio experimentó con contrastes dramáticos en luz y oscuridad, además de plasmar escenas religiosas en escenarios de todos los días, como tabernas y las calles. La pintora Barroca Artemisia Gentileschi es reconocida hoy como una de las más exitosas pintoras Barrocas Italianas. Su excepcional habilidad técnica es del estilo de Caravaggio. Al mismo tiempo en los Países Bajos Peter Paul Rubens y sus colegas se alejaban de las pinturas puramente religiosas hacia una tendencia más doméstica, aunque usando las mismas técnicas y la fascinación con la luz como sus colegas italianos.
En el mundo de la escultura Barroca, grupos de figuras mostraban una energía o movimiento dinámicos. El trabajo del gran artista italiano Giovanni Lorenzo Bernini dominó como una contraparte dramática para el estilo renacentista contemplativo, el cual reinó completamente unos años antes. Sus esculturas presentan un grado más alto de movimiento y emoción violenta desenfrenada.
La arquitectura Barroca valoraba el movimiento y la fluidez entre el interior y el exterior, la aparición de complejos domos y paredes curveadas. Fue inicialmente introducida por los Jesuitas de la Iglesia Católica como un medio para combatir la Reforma y la Iglesia Protestante con un nuevo estilo arquitectónico que inspiraba sorpresa y asombro.
La literatura Barroca produjo varias obras importantes durante este periodo, con la obra maestra del Español Miguel de Cervantes “Don Quixote de la Mancha” viniendo a la mete como un ejemplo perfecto de polos opuestos Barrocos, un ideal estético importante en todo arte. Esto es ejemplificado en la novela a través de las personalidades de sus personajes principales, el pragmático y con los pies en la tierra, Sancho, en claro contraste con el espiritual e idealista Don Quixote.
El Surgimiento del Género de la Música Barroca
En el ámbito de la música Barroca, el periodo comenzó a gestarse a finales del siglo 16 en unas cuantas ciudades italianas. Gracias a su independencia política y diversidad económica, estas ciudades desarrollaron varios estilos musicales únicos e individuales, los cuales divergían enormemente de los ideales clásicos del renacimiento tardío, como se cultivó en los trabajos de Palestrina y Di Lasso. Entre estas ciudades, las dos que más vale la pena mencionar, son los centros políticos y culturales de Venecia y Florencia.
En Venecia, la iglesia de San Marcos sirvió como el escenario geográfico para el desarrollo de la música policoral de Giovanni Gabrielli. Este estilo estaba basado en el principio de tener varios coros con voces e instrumentos separados espacialmente, los cuales, cuando se presentaban al mismo tiempo, requerían texturas cordales homorrítmicas más simples, divergiendo enormemente en la concepción del ideal de la compleja polifonía imitativa del renacimiento tardío.
Alrededor de la misma época en Florencia, un grupo de intelectuales, humanistas y artistas conocidos como la Camerata Florentina, buscaba emular los ideales del drama griego clásico, en el cual las palabras y la música estaban unidas, pero de manera diferente de los madrigales del renacimiento. El escenario musical no debía interferir con las inflexiones de texto habladas naturales y las palabras debían ser expresadas tan claramente como fuera posible. Para acompañar esta nueva concepción musical, la naturaleza contrapuntística compleja del motete y el madrigal del renacimiento no era adecuada y fue reemplazada por una textura cordal simple producida por instrumentos que no interfirieran con el texto. Estos desarrollos dieron lugar a un nuevo estilo de canto que fue llamado monódico, y se convirtió tal vez en la innovación más importante de la era de la música Barroca.
El Nacimiento de la Música de Ópera Barroca
Alrededor de inicios del siglo 17, el género de música más importante en surgir de esta era fue la Ópera Barroca. En pocas palabras, este género es esencialmente un drama de música Barroca el cual es cantado a lo largo de toda su duración. Incorporando las innovaciones en monódicos de la Camerata Florentina, fue desarrollado un estilo vocal adecuado al escenario de un drama musical de duración completa por primera vez en la historia, y, por tanto, se produjeron las primeras óperas. Durante este periodo, la primera figura monumental de la era de la música Barroca logró la madurez, el gran Claudio Monteverdi. Aunque ya se habían realizado algunos esfuerzos para producir óperas de duración completa en Florencia, Monteverdi está acreditado con haber compuesto la primera gran ópera en la historia, un escenario para un libretto (el texto) basado en el mito griego de Orfeo. “L’orfeo” cultivaba dos estilos vocales distintos basados en monódicos, Recitativo y Aria con acompañamiento instrumental. El estilo Recitativo lleva un cercano parecido a la declamación hablada real y es más útil para presentar el diálogo entre personajes y secciones largas de texto para hacer avanzar la historia. En contraste, el Aria se parece mucho a los soliloquios dramáticos de teatro, en los cuales el intérprete expresa emoción y reflexión de los eventos del drama los cuales han afectado su alma.
En Francia, hacia el final de la década del siglo 17, el compositor de música barroca nacido en Italia Jean-Baptiste Lully adaptó los estilos Recitativo y aria a las inflexiones naturales y musicalidad única de la lengua francesa, de esto modo creando un estilo nacional de obras operísticas. Entre otras escuelas nacionales significativas, podemos mencionar a los compositores de música Barroca ingleses John Blow y Henry Purcell. En los últimos años del siglo 17, ya habían desarrollado un estilo de ópera distintivamente inglés cantado en inglés, adaptado de los ideales de la Camerata Florentina y siguiendo algunos de los desarrollos franceses de moda.
El Oratorio en la Música Barroca
Otro maravilloso género vocal del periodo de música Barroca, el cual, al contrario de la ópera, siempre presenta un tema religioso. Sin embargo, los dos géneros tienen muchas cosas en común, siendo la más importante que ambos usan los estilos de canto Recitativo y Aria para la declamación de texto. Durante este periodo, muchos compositores escribieron cientos de oratorios, no obstante, quizás ninguno de ellos alcanzó tan grandes alturas como el compositor nacido en Alemania Georg Friedrich Händel. Su altamente exitosa carrera musical se desarrolló en mayor parte en Inglaterra, donde se adaptó a los cambiantes tiempos económicos y por ende a los gustos del público. Habiendo comenzado su carrera como un compositor de ópera italiana, más tarde Händel hizo el cambio hacia el más lucrativo género del Oratorio. Sus esfuerzos en ambos géneros lo establecieron como una figura clave en la historia de la música de escenario y un lugar eterno en el Olimpo de los compositores.
La Influencia de Bach en la Música y la Era Barrocas
Tal vez el compositor y músico Barroco más influyente de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach, estuvo trabajando sin parar en crear su enorme corpus de más de doscientas cantatas luteranas. Este fue otro importante género vocal del periodo de la música Barroca, el cual incorporó los elementos clásicos de ritos luteranos como el coral y la canción solista, al mismo tiempo incluyendo desarrollos innovadores como el estilo recitativo y Aria de origen italiano.
Bach nació en la ciudad central alemana de Eisenach en 1685, en el corazón de una respetada familia musical. El trabajo de su familia dedicada a la música y a la iglesia Luterana, de la cual él era un devoto miembro y servidor. Cuatro enormemente exitosos hijos lo sucedieron y se convirtieron en importantes compositores del periodo de transición hacia la era clásica. Bach desarrolló relaciones amistosas con otros varios compositores de esta era, específicamente, Georg Philipp Telemann, quien se convirtió en padrino de su hijo Carl Philipp Emanuel, y Dietrich Buxtehude. Buxtehude fue un famoso compositor y organismo cuyas virtuosidad y destreza compositiva motivaron a Bach a viajar 200 millas a pie para conocerlo, eventualmente incluso a presentarse con él. La esfera de influencia de Bach es tan amplia que los historiadores de arte generalmente reconocen su muerte como un evento crucial, el cual en 1750 ocasionó el fin del periodo Barroco.
El Legado del Periodo Barroco
Uno de los mayores logros del periodo barroco fue el establecimiento de la música instrumental como un medio de expresión musical serio, independiente e importante. Muchos importantes compositores de música Barroca produjeron obras que han logrado alturas Olímpicas y han entrado al repertorio estándar de varios instrumentos. Durante el periodo histórico previo, algunos compositores ya habían comenzado a desarrollar música instrumental, con instrumentos mayormente sirviendo como un acompañamiento para la voz humana, como en las canciones de laúd de John Dowland.
Durante el periodo de música Barroca, los géneros y estilos instrumentales sufrieron varias modificaciones importantes. Esto fue debido tanto a desarrollos técnicos en la construcción de los instrumentos como a la aparición de grandes virtuosos quienes competían uno contra otro, de esta manera empujando los límites de lo que los instrumentos eran capaces de hacer. Famosos episodios de dichas competencias fueron los pocos encuentros entre Domenico Scarlatti y Händel a principios del siglo 18. Los dos compositores realizaron una competencia musical amistosa, con Scarlatti resultando victorioso en el clavicordio y Händel en el órgano.
Los cambios sociales de los tiempos y el surgimiento del concierto público llevaron que declinara la popularidad del laúd, con el clavicordio y el órgano tomando su lugar y cambiando los intereses de los compositores hacia los instrumentos de teclado. Este periodo fue también una época en la cual fueron inventados y enormemente desarrollados varios géneros nuevos instrumentales, entre los más significativos están el preludio, el preludio coral, la fuga. La tocata, la suite, la sonata, el concierto, y el concierto Grosso.
Tres géneros Barrocos son de particular importancia para el desarrollo de algunas características nuevas y únicas. El concierto solista Barroco es una obra para la orquesta y un solo instrumento. Proporcionó un excelente medio para explorar el efecto de sonoridades contrastantes, diferentes densidades de sonido y los dramáticos pasajes virtuosos para el solista, los cuales eran atractivos tanto para el público como para la estética Barroca. Al mismo tiempo, se desarrolló otra variante del concierto, el concierto Grosso Barroco. Esta forma también se presentaba en una orquesta pero en lugar de tener un solista individual, presentaba a un pequeño grupo o conjunto de instrumentos solistas los cuales funcionaban como una unidad.
Por último, pero no por eso menos importante, el periodo Barroco también vio un profundo cambio en el ámbito de la música de cámara para los instrumentos. Esto incluye la invención de la sonata para instrumento y teclado solistas, el cual terminaría en convertirse en un importante género a lo largo del resto de los siglos 19 y 20. La sonata trío presentaba dos líneas melódicas y el acompañamiento del “basso contínuo”, el cual de hecho consistía en un instrumento polifónico, como un clavicordio, como también de un instrumento de bajo melódico que proveyera la línea de bajo y el contenido armónico.
Escuche Música Barroca en Calm Radio
La era Barroca abarcó un enorme periodo de tiempo, con aproximadamente 150 años y miles de obras producidas en muchos diferentes estilos, países y géneros. Esto ha llevado a muchos historiadores a cuestionar el nivel de exactitud del término “Barroco” para englobar tendencias tan divergentes como el “L’orfeo” de Monteverdi y “La Pasión según San Mateo” de Bach.
En Calm Radio, nuestros radioescuchas aman nuestros canales de música Barroca y la interminable lista de compositores Barrocos. Desde canales como Clavicordio Barroco, Órgano, Laúd, Violín y Violonchelo, y compositores como JS Bach, Händel, Buxtehude, Couperin, Scalatti y Vivaldi, toda la música Barroca posible vive aquí.
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